Berlín, documentales

El arte de moldear la realidad, los documentales de la Berlinale

Podríamos llamarlos ejercicios de democracia: ya que estas películas intentan mostrar una sociedad diferente y, al mismo tiempo, incluir al espectador (cada espectador) en su narración. Usar el arte de lo real en lugar de jugar con la ficción hace que su intento sea más significativo y relevante para todos nosotros.

Ciudad de México, 24 de febrero (MaremotoM).- Contar historias es la forma más antigua que ha encontrado la humanidad para hacer frente al caos y superar los miedos y los conflictos. Esto es cierto para la ficción, y probablemente aún más para la forma documental.Capturar imágenes siempre es un poco como domarlas. Cuando vemos imágenes en movimiento, junto con la inevitable sensación de estar allí, siempre existe la conciencia de que estas imágenes provienen del pasado. Además, cada película compone una historia que selecciona imágenes para dar sentido al caos de la realidad. El arte de lo real es también el arte de dar forma a la realidad.

Los documentales nos conectan con el mundo real, ese es un dicho común. El poder inmersivo de los documentales es innegable, pero ¿a qué se refieren los documentales del “mundo real”? Por lo general, el “mundo real” es esa parte del planeta con la que no estamos conectados físicamente, pero con la que nos sentimos cercanos, porque escuchamos hablar de ella todo el tiempo.

Durante los últimos doce meses, la guerra de agresión contra Ucrania se ha convertido en el “mundo real” del que queremos oír hablar. Los documentales presentados en el festival son una buena muestra de cómo un tema tan dramático y complejo puede ser representado y tratado en el cine.

Puede desplegarse a través de su desarrollo histórico, gracias a un amplio trabajo de investigación, como hace Iron Butterflies.

O puede ser el tema de una trayectoria personal, como transmiten Sean Penn y Aaron Kaufman en Superpower.

Una experiencia inmersiva aún más personal y única es la que se ofrece en Shidniy Front. La película se basa en el trabajo de Yevhen Titarenko, miembro del grupo “Hospitalarios”, que brinda primeros auxilios a las personas heridas. Mientras estaba de servicio, Titarenko filmó, ya sea con herramientas simples y livianas, como una cámara GoPro, o con otras más estables. La película se estructura entrelazando momentos de paz en casa o con amigos con intensas secuencias en la ambulancia, lo que le devuelve el ritmo esquizofrénico que tiene que soportar la gente en la guerra.

Es fácil compararlo con Vergiss Meyn Nicht, una película basada en el material rodado por un estudiante de cine que se puso una cámara en el casco mientras filmaba las protestas ecologistas en el bosque de Hambach. Debido a su estilo, Vergiss Meyn Non es altamente inmersivo y lleva al espectador directamente a los árboles, donde los activistas climáticos vivían y resistían los intentos de desalojo por parte de la policía. El hecho de que desde el principio estemos informados sobre el triste final del camarógrafo añade una capa extra de implicación emocional a la imagen.

Menos drástica en estilo pero igualmente envolvente y más compleja en su narrativa es la película de Claire Simon, rodada en hospitales, otro lugar con el que normalmente no estamos conectados, a menos que las circunstancias nos obliguen. Notre Corps es una investigación de 360 ​​grados sobre cómo se percibe el cuerpo (de la mujer). Filmada con un estilo observacional, la película desarrolla una fuerte empatía por todas las mujeres retratadas, hasta el punto de que eventualmente la propia cineasta se convierte en uno de los personajes de la película.

Si bien son el resultado de una larga investigación y escritura, los documentales tratan historias que en cualquier momento pueden tomar giros inesperados. Notre Corps es un gran ejemplo de cómo un cineasta debe estar abierto para incluir estos eventos inesperados en la narración, ya que estos, más que cualquier otra cosa, transmiten el sentido de la realidad.

El juicio –otra película proyectada en Forum– empuja al documental hacia una dirección muy diferente. Esta película está basada en las imágenes del sonado juicio contra el presidente Videla y su gabinete militar en 1985, por haber permitido y ser responsable del secuestro, la tortura y la muerte de miles de ciudadanos en Argentina. Recogidas del pasado, estas imágenes tienen la calidad y la fuerza de los recuerdos olvidados.

Te puede interesar:  El otro Napoleón en el Festival de Cannes
El juicio
El juicio por Ulises de la Orden. Foto: Cortesía

Tomadas originalmente con el propósito de registrar el juicio, resaltan la calidad neutra de las imágenes producidas por la “máquina de cámara”, no moldeadas ni diluidas por una mirada humana (subjetiva). Es como si una parte grande y relevante de la realidad hubiera salido a la superficie 40 años después. Menos espectacular que el largometraje de Santiago Mitre (Argentina, 1985), El juicio reemplaza la retórica del cine por algo más simple y directo: el poder del documento real.

Sea cual sea la forma o el relato, la sensación de presencia que brindan los documentales es invaluable, especialmente cuando se trata de momentos históricos de época. Este es el caso de Le mura di Bergamo, rodada durante la primavera de 2020 mientras la pandemia del Covid-19 asolaba el norte de Italia. Junto con un puñado de jóvenes cineastas, Stefano Savona registró estos terribles días, filmando calles vacías y hospitales abarrotados. No es solo a través de las imágenes, sino también a través del sonido, especialmente los registros de las llamadas al 911, que la sensación de estar allí se vuelve palpable. La película va más allá de ese particular momento trágico e intenta abordar también la lenta recuperación tras el pico de la pandemia, tanto a nivel individual como colectivo.

Filmar personas reales y su vida agitada requiere un fuerte punto de vista moral, que a menudo se traduce con la noción de “distancia correcta”. La filmación siempre es una cuestión de distancia, pero en el ámbito del documental, este concepto sigue reglas diferentes y, a menudo, un paso atrás es una mejor opción. Pero no siempre.

En El eco de Tatiana Huezo, que retrata a una pequeña comunidad en una apartada zona montañosa del norte de México, la cineasta opta por una representación donde la cercanía con las personas filmadas, especialmente los niños, es un hecho. En tal película, la atención prestada a los paisajes, la brumosa belleza de la naturaleza mexicana, refleja los primeros planos de los protagonistas. El resultado es la sensación de un mundo en el que no hay brecha entre las personas y los lugares. Muy diferente de otros ejemplos de películas observacionales, aquí la cámara varía su distancia con frecuencia, haciendo más evidente la presencia del “cine”.

No podemos dejar este rápido cuaderno de viaje sin mencionar Sur l’Adamant, el documental que corre a concurso. El título hace referencia a un barco, atracado definitivamente en las orillas del Sena, que se ha convertido en un centro de atención diurna para personas que padecen enfermedades mentales.

Sobre el mismo tema, Nicolas Philibert realizó en 1996 La moindre des chooses, probablemente su película más bella y luchadora. Esa película se rodó en La Borde, una clínica fundada por Jean Oury y frecuentada por Guattari y Deleuze, entre otros, y siguió a la producción de una obra de teatro por parte de pacientes y cuidadores. El principio de devolver la iniciativa y la responsabilidad a los pacientes de la clínica desarrollando situaciones en las que puedan trabajar y expresar su creatividad es también lo que define a l’Adamant. Lo que hace notable el enfoque de Philibert es la ausencia de cualquier forma de juicio por parte de la cámara. Viendo la película es casi imposible distinguir entre los cuidadores y las personas atendidas. La cámara está presente y visible, pero nunca obstruye. La distancia justa se conserva siempre sin ninguna regla preconcebida.

Para Philibert, el arte del documental radica en construir puentes: la mirada de las personas filmadas pide una respuesta, provoca un movimiento hacia ellas, que en este caso tiene un fuerte significado social y político.

Lo mismo ocurre con películas que apuestan por estilos más híbridos como Orlando, ma biographie politique o Mon pire ennemi. Estos documentales son la mejor receta para una sociedad sana: un lugar donde las contradicciones no se ocultan, sino que se muestran como una oportunidad para abrazar la diversidad.

Podríamos llamarlos ejercicios de democracia: ya que estas películas intentan mostrar una sociedad diferente y, al mismo tiempo, incluir al espectador (cada espectador) en su narración. Usar el arte de lo real en lugar de jugar con la ficción hace que su intento sea más significativo y relevante para todos nosotros.

Comments are closed.